Le mouvement esthétique en Grande-Bretagne (1860-1900) visait à échapper à la laideur et au matérialisme de l’ère industrielle, en se concentrant sur la production d’un art qui soit beau plutôt que d’avoir une signification plus profonde – “l’art pour l’art”. Les artistes et les concepteurs de ce “culte de la beauté” ont créé certaines des œuvres d’art les plus sophistiquées et les plus sensuelles de la tradition occidentale et, ce faisant, ont remodelé l’univers domestique de la classe moyenne britannique.
Une introduction au mouvement esthétique
De 1860 à 1900, le mouvement esthétique a été à l’origine de changements radicaux dans l’art et le design, et ses concepts modernes du style de vie de la classe moyenne et de l’environnement domestique se répercutent jusqu’à nos jours. Aujourd’hui, l’esthétisme est reconnu pour sa renégociation révolutionnaire des relations entre l’artiste et la société, entre l’art et l’éthique, et entre les beaux-arts et les arts décoratifs, qui a ouvert la voie aux mouvements artistiques du XXe siècle.
Les années 1850 : l’avant-garde prend forme
Les artistes esthétiques individuels s’inspirent d’une variété de cultures et de périodes. Ils ont trouvé de la beauté dans la peinture de la Renaissance, la sculpture de la Grèce antique et l’art et le design de l’Asie de l’Est, en particulier les estampes japonaises. Ce riche éclectisme est l’une des caractéristiques les plus intrigantes du mouvement esthétique, une caractéristique que Whistler et d’autres ont exploitée pour stimuler de nouvelles réactions à leurs œuvres d’art.
Malgré l’utilisation de titres qui pourraient sembler établir un lien littéraire ou historique, les peintres du mouvement esthétique ne cherchaient qu’à évoquer une humeur ou à susciter de vagues associations. Cela a perturbé le public qui n’était pas habitué à cette nouvelle façon de “lire” un tableau. Les artistes esthétiques s’intéressaient également à l’utilisation de la technique de la synesthésie dans leurs peintures – la stimulation d’un sens par un autre, comme l’imagerie activant l’odorat – afin de produire une superposition de réponses à l’œuvre d’art et d’approfondir l’expérience du spectateur.
Quelques membres clés du cercle de Rossetti s’intéressent vivement aux arts du design, cherchant à transformer les meubles et objets domestiques banals et prétentieux de la maison bourgeoise. Avec une sensibilité raffinée à la ligne et à la forme géométrique ou, dans le cas de William Morris, avec un sentiment pour l’ornementation naturelle et la couleur harmonieuse, ces designers visaient à produire des chaises et des tables dignes du nom de “Meuble d’Art” et à créer des céramiques, des textiles et des papiers peints totalement différents des articles “commerciaux” ordinaires.
Il devait s’agir d’articles ménagers de qualité qui plairaient à l’œil de l’artiste et agrémenteraient les maisons des mécènes, collectionneurs et connaisseurs de l’esthétique. L’idée était que si les meubles étaient suffisamment raffinés en termes de forme, de matériaux et de qualité de fabrication, et si les couleurs étaient soigneusement étudiées, ils pouvaient, tout comme les arts décoratifs en général, atteindre un nouveau niveau et estomper la division stricte établie de longue date entre les “beaux” arts de la peinture, de la sculpture et de l’architecture et les métiers dits artisanaux – la conception et la fabrication des arts décoratifs.
La Maison rouge de William Morris,
Elle est conçue par l’architecte Philip Webb et décrite par Rossetti comme “plus un poème qu’une maison”, constitue un parfait exemple de cette approche. Son style coordonné, décrit comme “une douceur néo-vernaculaire avec un sérieux de grand art”, allait devenir la marque de fabrique de Morris.
Dans les années qui suivent
Les maisons d’artistes et leur style de vie extravagant deviennent l’objet de la fascination du public. L’influence des “palais de l’art” créés par Rossetti, Burne-Jones, Morris, Leighton et le peintre hollandais Alma Tadema était disproportionnée par rapport au nombre de personnes qui ont eu accès à ces espaces et les ont vus de leurs propres yeux. Cependant, il existait à l’époque de nombreux livres, articles illustrés et manuels d’instruction qui fournissaient les détails nécessaires. L’idéal de “La belle maison” a déclenché une révolution dans le domaine de la construction et de la décoration intérieure et a conduit à une reconnaissance plus large de la nécessité de la beauté dans la vie quotidienne. Cette idée allait avoir un impact durable non seulement sur l’architecture, mais aussi sur la théorie sociale et la pensée politique pour les années à venir. Voir https://bella.paris pour en savoir plus sur le sujet !
